La lithographie expliquée

Comprendre la lithographie, la gravure, la sérigraphie et les estampes

Qu’est-ce qu’une estampe ? Comment différencier une lithographie originale d’une gravure ou d’une sérigraphie ? Qu’est-ce qu’une pointe sèche ou une épreuve d’artiste ? Comment ces techniques sont-elles réalisées, et qu’est-ce qui les rend uniques ?

Autant de questions légitimes que tout amateur ou curieux peut se poser face à la richesse et à la diversité des techniques d’impression et d’art graphique. Dans cet espace, nous vous proposons d’explorer ces méthodes, d’en comprendre les spécificités et de répondre à vos interrogations de manière claire, détaillée et, autant que possible, illustrée.

Que vous soyez collectionneur ou simplement passionné par les techniques d’art, découvrez les secrets de ces procédés fascinants

L'estampe : Une technique intemporelle

À l’origine, le terme estampe désigne une image obtenue par l’impression d’une matrice gravée, qu’il s’agisse de bois (comme en xylographie), de métal ou de pierre lithographique. Cette définition traditionnelle, décrite par Boutard en 1826 comme « l’espèce de tableau que l’on obtient par le moyen de la gravure en taille-douce », s’est progressivement élargie avec l’apparition de nouvelles techniques comme la lithographie, la sérigraphie et, plus récemment, l’estampe numérique. Aujourd’hui, le terme englobe des procédés variés, y compris des monotypes, des pochoirs ou encore des impressions réalisées à partir de plaques de verre ou de films opaques gravés manuellement, comme ceux utilisés par des artistes tels que Corot. Cette évolution éloigne l’idée initiale d’une empreinte obtenue grâce à un relief et redéfinit l’estampe comme une catégorie d’impression où l’élément imprimant a été préparé artisanalement.

La notion d’estampe originale introduit une distinction importante : une estampe est qualifiée d’originale lorsque la matrice — qu’il s’agisse d’une planche de bois, d’une plaque de métal ou d’une pierre lithographique — a été conçue et réalisée manuellement par l’artiste lui-même. À l’inverse, si la matrice a été préparée par un technicien d’après une œuvre préexistante, il s’agit d’une estampe d’interprétation. Cette distinction, parfois subtile, a nécessité des clarifications légales. Ainsi, un texte de loi de 1967, reprenant une définition du Comité de la gravure française de 1936, établit que seules les épreuves tirées manuellement par l’artiste, sans recours à des procédés mécaniques ou photomécaniques, peuvent être considérées comme des gravures, estampes ou lithographies originales.

Cependant, la frontière entre estampe originale et estampe d’interprétation reste parfois floue, notamment sur le plan qualitatif. Historiquement, de nombreux artistes ont utilisé la gravure pour diffuser l’œuvre de leurs contemporains, contribuant ainsi à leur renommée. Au XX èm siècle, des figures comme Cécile Reims ont brillamment perpétué cette tradition en collaborant avec des artistes pour interpréter leurs créations à travers la gravure. L’estampe, dans toute sa diversité, demeure un art à part entière, combinant maîtrise technique et expression artistique, et joue un rôle central dans la diffusion des œuvres d’art tout en garantissant leur accessibilité et leur pérennité.

La lithographie originale

Inventée en 1796 par Aloys Senefelder en Allemagne, la lithographie, dont le nom provient des mots grecs lithos (pierre) et graphein (écrire), est une technique d’impression plano-graphique révolutionnaire pour son époque. Elle permet de reproduire un dessin réalisé sur une pierre calcaire, avec une fidélité remarquable, en de multiples exemplaires. Contrairement à la gravure, où l’impression repose sur un relief ou un creux, la lithographie repose sur la relation chimique entre l’eau et la graisse. Une pierre calcaire, choisie pour sa porosité, est préparée selon des recettes propres à chaque lithographe, souvent gardées secrètes. Une fois la surface prête, le tracé est réalisé directement sur la pierre avec des crayons lithographiques, des plumes ou des pinceaux imbibés d’encre grasse. Des techniques variées, comme le grattage, le lavis ou encore le report à l’aide d’un calque ou d’un papier transfert, permettent d’enrichir les effets et les textures du dessin.

Une fois le dessin achevé, la pierre est humidifiée pour que ses parties poreuses retiennent l’eau. L’encre grasse est ensuite appliquée avec un rouleau (aujourd’hui en caoutchouc, autrefois en cuir, ce dernier étant plus difficile à nettoyer). Cette encre, hydrophobe, adhère uniquement aux zones grasses du dessin et est repoussée par l’humidité des parties non dessinées. Lorsque l’encre est uniformément répartie, une feuille de papier est posée sur la pierre et passée sous une presse lithographique. Ce procédé est à la fois précis et artisanal, chaque étape nécessitant l’œil et la main experte du lithographe.

Pour les lithographies en couleurs, le processus devient encore plus complexe. Chaque couleur exige une pierre distincte, sur laquelle l’artiste doit redessiner son motif en tenant compte des superpositions de teintes et des variations dimensionnelles du papier, causées par l’humidification. Cela nécessite un repérage parfait pour aligner les impressions successives. Les teintes les plus claires sont généralement imprimées en premier, suivies des couleurs intermédiaires, jusqu’à la plus sombre, souvent le noir. Une variante consiste à utiliser une seule pierre, que l’on prépare à nouveau pour chaque couleur, en redessinant le motif sur l’image résiduelle laissée par l’impression précédente. Cependant, cette méthode empêche la réalisation de retirages, car la pierre est modifiée à chaque étape. Ces difficultés ont été en partie surmontées avec l’invention de la chromolithographie, qui simplifie le processus de repérage et élimine l’humidification du papier, tout en permettant des impressions multicolores plus fiables.

La lithographie est également reconnue comme la mère des techniques modernes d’impression. Elle a donné naissance à l’offset, un procédé qui reprend le principe planographique en remplaçant la pierre par des plaques flexibles en aluminium ou en polyester, adaptées aux presses rotatives. L’offset, bien que dérivé de la lithographie, diffère par son caractère industriel et son rendement élevé.

La lithographie artisanale reste prisée pour la production d’œuvres d’art, notamment grâce à sa capacité à capter les nuances et les textures des créations originales. Les artistes apprécient particulièrement la liberté qu’offre ce procédé, permettant des tracés spontanés et des rendus subtils, impossibles à obtenir avec des techniques industrielles.

Aujourd’hui, la lithographie est utilisée pour créer des tirages d’art en séries limitées, souvent numérotés et signés, renforçant leur caractère exclusif et leur valeur sur le marché de l’art. L’intensité des couleurs, la richesse des textures et la finesse des détails en font une technique privilégiée pour la reproduction d’œuvres d’art. Elle continue d’être enseignée dans les écoles d’art et pratiquée par des ateliers spécialisés, perpétuant un savoir-faire artisanal qui a marqué l’histoire de l’impression et de l’art graphique.

Découvrez ci-après un reportage sur Mario Ferrerri, lithographe à Fréjus.

La gravure (Pointe sèche) 

La gravure à la pointe sèche est une technique artistique délicate et spontanée, appréciée pour sa capacité à produire des œuvres d'une grande expressivité. Elle repose sur l’utilisation d’un outil pointu, souvent en acier ou en diamant, permettant de graver directement une plaque de métal, de plexiglas ou de plastique. L’outil, manié avec la précision d’un crayon, déplace le matériau sans l’éliminer, formant des creux bordés de "barbes" métalliques. Ces barbes, comparables à de minuscules vagues de métal déchiquetées, confèrent une texture unique aux impressions. L’artiste peut choisir de les conserver pour enrichir les impressions, en captant l’encre des rebords en plus des creux, ou de les retirer soigneusement pour obtenir des traits plus nets et réguliers. La plaque, traditionnellement en cuivre ou en zinc, mais parfois en matériaux modernes comme le plexiglas, doit être protégée de l’oxydation par une fine couche d’huile, garantissant la durabilité de l’œuvre.

Cette technique est réalisée à main levée, parfois avec un appui-main ou sur chevalet, offrant à l’artiste une liberté gestuelle totale. Chaque étape, du tracé à l’impression, nécessite une grande maîtrise, car les lignes gravées sont irréversibles, renforçant le caractère spontané et instinctif de la gravure. Lors de l’impression, l’encre s’accumule dans les creux et, si les barbes sont préservées, elle produit un effet velouté et riche, impossible à obtenir avec d’autres techniques. Chaque tirage est ainsi légèrement unique, témoignant du caractère artisanal et artistique du processus.

La gravure à la pointe sèche incarne la tradition de la gravure d’artiste, où le geste direct et instinctif de l’artiste se reflète dans chaque trait gravé. Elle est prisée pour la finesse et la sensibilité qu’elle apporte, tout en permettant d’explorer des matériaux modernes et des approches innovantes, perpétuant ainsi cette méthode dans l’art contemporain.

Découvrez ci-après une vidéo de Claude WEISBUCH réalisant une pointe sèche


Claude Weisbuch, L'Estampe par lestampe
 

La sérigraphie

La sérigraphie, parfois appelée impression au pochoir, est une technique d’impression polyvalente et durable qui trouve ses racines dans les pratiques artisanales de l’Asie ancienne, notamment en Chine et au Japon, où des pochoirs étaient utilisés pour décorer textiles et papiers. Introduite en Europe au XVIII èm siècle, elle a gagné en popularité avec l’invention des écrans de soie tendus et a évolué pour devenir au XX èm siècle une méthode incontournable dans l’art contemporain et les applications industrielles. À l’origine de son nom, le mot latin sericum (soie) fait référence au matériau utilisé pour confectionner les premiers écrans, bien qu’ils soient aujourd’hui principalement réalisés en polyester ou en nylon pour des raisons de robustesse et de maniabilité. 

Le principe de la sérigraphie repose sur l’utilisation d’un écran tendu sur un cadre, recouvert d’une émulsion photosensible. Après avoir été exposée à une source lumineuse à travers un motif ou une image, l’émulsion durcit sur les zones exposées, créant une barrière imperméable. Les zones non exposées, qui restent solubles, sont ensuite rincées à l’eau, formant ainsi des ouvertures à travers lesquelles l’encre pourra passer. Cet écran est ensuite positionné au-dessus du support à imprimer, qu’il s’agisse de papier, de tissu, de bois, de métal, de verre ou même de céramique. À l’aide d’une racle, l’encre est appliquée sur l’écran et forcée à travers les zones ouvertes, créant une impression fidèle du motif sur le support.

Chaque couleur d’un design nécessite un écran distinct, ce qui implique que le processus doit être répété autant de fois qu’il y a de couleurs dans l’œuvre. Cette étape, appelée "repérage", exige une précision extrême pour aligner correctement les couches successives d’encre. L’ordre des impressions est également crucial, les couleurs claires étant généralement appliquées en premier pour éviter de contaminer les teintes plus foncées. Ce processus permet de produire des impressions aux couleurs éclatantes, épaisses et opaques, même sur des supports sombres ou texturés. La sérigraphie est particulièrement adaptée pour des finitions variées, allant du mat au brillant en passant par des encres métalliques, fluorescentes, phosphorescentes ou même thermosensibles, offrant une liberté créative quasi illimitée.

En tant que technique artistique, la sérigraphie a connu un essor notable dans les années 1960, notamment grâce au mouvement pop art. Des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein ont exploité cette méthode pour ses qualités de reproduction en série et sa capacité à produire des œuvres colorées et graphiques. Warhol, par exemple, a utilisé la sérigraphie pour créer certaines de ses œuvres les plus emblématiques, telles que ses portraits de Marilyn Monroe, en jouant sur la répétition et la variation des couleurs. Contrairement aux procédés purement mécaniques, la sérigraphie offre aux artistes la possibilité d’intervenir directement sur le processus, en modifiant les couches ou en ajoutant des détails à la main, rendant chaque tirage potentiellement unique.

Dans l’industrie, la sérigraphie s’est imposée comme une méthode d’impression incontournable pour des applications variées : textiles, affiches, enseignes publicitaires, emballages, et même circuits imprimés. Sa capacité à imprimer sur des surfaces irrégulières et à produire des impressions résistantes aux intempéries et à l’usure en fait un choix privilégié pour des produits durables. Bien qu’elle soit particulièrement adaptée aux grandes séries en raison de l’investissement initial pour préparer les écrans, la sérigraphie reste une option viable pour des tirages limités, notamment dans le domaine de l’art et du design, où elle est appréciée pour la qualité visuelle et tactile des impressions.

Les avancées technologiques ont également transformé la sérigraphie, avec l’introduction d’encres écologiques, de machines automatisées et de techniques de préparation numériques qui réduisent le temps de configuration et les coûts. Toutefois, la sérigraphie artisanale, réalisée dans des ateliers spécialisés, continue d’être pratiquée et valorisée pour son caractère manuel et sa précision. Elle reste un moyen d’expression privilégié pour les artistes et les créateurs, permettant de produire des œuvres à la fois esthétiques et fonctionnelles, en édition limitée ou en série.

Ainsi, la sérigraphie se distingue par sa versatilité et sa capacité à allier tradition et innovation. Que ce soit pour des œuvres d’art uniques, des objets décoratifs ou des applications techniques, elle continue de jouer un rôle central dans le monde de l’impression et de l’art contemporain, témoignant de la richesse et de l’adaptabilité de cette méthode intemporelle.

La justification de tirage

Les épreuves en lithographie : décryptage des annotations et de leur valeur

Numérotées, BAT, EA, HC, Épreuves d'essai : tout ce qu'il faut savoir.

Lorsqu’une lithographie est réalisée, plusieurs types d’épreuves peuvent être produits, chacun ayant une fonction et une signification particulières. Ces annotations suscitent souvent des questions, notamment concernant les épreuves numérotées, d’artiste, hors commerce ou de contrôle. Voici un guide pour mieux comprendre ces mentions :

Le Bon à Tirer (BAT) :

Premier exemplaire réalisé, le BAT est signé par l’artiste une fois qu’il est satisfait du résultat final.
Ce tirage sert de référence de qualité pour comparer tous les autres exemplaires de l’édition.

Les épreuves numérotées :

Chaque lithographie est numérotée en fonction du total d’exemplaires tirés, par exemple, 15/100 indique qu’il s’agit du 15 èm exemplaire sur une série de 100.
Chaque tirage est soigneusement comparé au BAT pour garantir la cohérence et la qualité de l’ensemble.

Les épreuves d’artiste (EA) :

Les épreuves d’artiste (EA) sont des exemplaires réservés exclusivement à l’usage personnel de l’artiste. Elles représentent généralement 10 % de l’édition totale, bien que ce pourcentage puisse varier légèrement en fonction des accords entre l’artiste et l’éditeur.

Ces épreuves sont annotées EA et, bien qu’elles ne soient pas incluses dans la numérotation traditionnelle de l’édition (exemple : 15/100), elles sont identiques en qualité aux épreuves numérotées. Cela signifie qu’elles ont été tirées avec le même soin et comparées au Bon à Tirer (BAT) pour garantir leur conformité.

Particularités et valeur des épreuves d’artiste

Les Épreuves d’Artiste (EA) occupent une place particulière dans le monde de l’art, grâce à leur rareté et leur lien direct avec l’artiste. Souvent conservées pour son usage personnel, offertes à des proches ou utilisées pour des expositions et des actions promotionnelles, ces épreuves incarnent une connexion privilégiée avec l’artiste et son processus créatif. Leur rareté, combinée à leur contexte unique, leur confère une valeur à la fois symbolique et marchande.

Sur le marché, les EA sont généralement considérées comme équivalentes aux épreuves numérotées. Cependant, certains collectionneurs leur accordent une valeur supplémentaire en raison de leur caractère particulier et de leur lien direct avec l’artiste. Ces épreuves sont souvent signées, et il n’est pas rare qu’elles comportent des annotations spéciales, renforçant leur singularité et leur intérêt pour les amateurs d’art.

Les EA témoignent également d’une tradition d’édition respectant l’implication personnelle de l’artiste dans la production de ses œuvres. Elles rappellent l’importance historique du contrôle artistique et du soin apporté à chaque tirage.

Pour les collectionneurs, acquérir une EA demande une attention particulière. Il est essentiel de vérifier la signature, les annotations éventuelles et la provenance pour garantir l’authenticité et la qualité de l’œuvre. Ces épreuves uniques enrichissent une collection en apportant une dimension historique et émotionnelle qui dépasse leur simple valeur matérielle. Ainsi, les EA deviennent des pièces de choix pour ceux qui souhaitent se rapprocher de l’univers intime de l’artiste.

Les épreuves hors commerce (HC) :

Réservées au graveur, à l’imprimeur ou à des collaborateurs, les HC ne sont pas destinées à la vente classique.
Elles sont souvent utilisées pour des échanges professionnels ou des archives.

Les tirages d’essai ou d’état :

Ces épreuves sont réalisées avant l’approbation du BAT, permettant à l’artiste et à l’imprimeur d’ajuster les couleurs, les contrastes ou les détails techniques. Ces tirages, souvent rares, peuvent être annotés "Épreuve d’état" ou simplement "Essai".

Après tirage : Destruction des matrices

Une fois le tirage terminé, les matrices (pierres lithographiques ou plaques) sont polies et traitées, effaçant ainsi le dessin.
Cette pratique garantit que le nombre d’épreuves reste limité à l’édition annoncée, assurant ainsi la rareté et la valeur de l’œuvre.
Contrairement à une idée reçue, les pierres peuvent être réutilisées pour d’autres projets, mais elles ne conservent aucune trace du tirage précédent.

La valeur d'une lithographie

La valeur d’une lithographie est déterminée par plusieurs facteurs essentiels qui, ensemble, en font une œuvre unique et prisée des collectionneurs. Tout d’abord, le nombre d’exemplaires tirés est un élément fondamental : plus l’édition est limitée, plus l’œuvre devient rare et recherchée, ce qui accroît sa valeur. Les lithographies numérotées offrent une transparence sur le tirage, renforçant leur prestige et leur attrait pour les amateurs d’art.

La notoriété de l’artiste joue également un rôle majeur. Les œuvres d’artistes reconnus ou en forte demande sur le marché, que ce soit pour leur influence artistique, leur style distinctif ou leur importance historique, sont naturellement valorisées. De plus, les lithographies originales réalisées sous la supervision directe de l’artiste prennent une dimension supplémentaire, car elles garantissent une fidélité parfaite à son intention artistique. Ce contrôle artistique, souvent exercé lors du processus d'impression, renforce la valeur et l'authenticité de l'œuvre. Ces pièces sont considérées comme des références et deviennent très recherchées par les collectionneurs.

Il est important de distinguer une lithographie originale d’une lithographie classique, car ces deux termes, bien que proches, désignent des réalités différentes dans le domaine de l’art.

Une lithographie originale est une œuvre créée directement par l’artiste sur la pierre ou la plaque utilisée pour l’impression. L’artiste conçoit et réalise lui-même l’ensemble du dessin ou de la composition, ce qui confère à l’œuvre une authenticité particulière. Elle peut ou non être signée et numérotée, mais son originalité réside dans l’intervention directe de l’artiste dans le processus créatif, rendant chaque tirage une véritable œuvre d’art en soi.

En revanche, une lithographie peut désigner un tirage réalisé à partir d’une reproduction d’une œuvre existante, souvent à l’aide de moyens mécaniques ou photographiques. Dans ce cas, l’artiste n’intervient pas directement dans la création ou la réalisation de l’impression. Ces lithographies, bien qu’elles puissent être de qualité et esthétiquement attrayantes, n’ont pas la même valeur artistique ou patrimoniale qu’une lithographie originale.

Ainsi, la différence réside dans le degré d’implication de l’artiste et dans l’origine du dessin utilisé pour le tirage. Une lithographie originale porte en elle l’empreinte directe de l’artiste, tandis qu’une lithographie classique est souvent perçue comme une reproduction artistique. Cette distinction est essentielle pour les collectionneurs et amateurs d’art soucieux de la valeur et de l’authenticité de leurs acquisitions.

La qualité des matériaux et du processus d’impression est un autre critère crucial. Le choix d’un papier haut de gamme, souvent identifiable par son grain ou son filigrane, ainsi que l’utilisation d’encres de grande qualité, témoignent d’une attention particulière aux détails. Une impression réalisée avec précision et expertise rehausse l’éclat des couleurs et la finesse des lignes, augmentant ainsi la valeur perçue de l’œuvre.

Enfin, l’état de conservation joue un rôle déterminant dans la valorisation d’une lithographie. Une œuvre bien préservée, sans pliures, déchirures ou jaunissement du papier, conserve tout son éclat d’origine, ce qui en fait un investissement sûr et durable. Ces différents critères, combinés à une traçabilité et à une authenticité garanties, font de chaque lithographie bien réalisée un objet d’art unique, alliant intérêt esthétique, valeur patrimoniale et potentiel de valorisation sur le marché.

" Bon à Tirer " signé par Bernard BUFFET (En vente par la Galerie)	" Epreuve Numérotée " par Louis TOFFOLI (En vente par la Galerie)
" Epreuve d'Artiste " par Claude WEISBUCH (En vente par la Galerie)	" Hors Commerce" par Camille HILAIRE (En vente par la Galerie)